Новости сайта

4 мая 2006 Foto/grapho Евгения Медведева и Дмитрия Провоторова 27 апреля в художественной галерее "Альбом" (5 линия В.О., д. 36) открывается выставка Евгения Медведева и Дмитрия Провоторова "Foto/grapho" . Оба автора стали известны сравнительно недавно, но уже сумели достаточно громко заявить о себе. В рамках данной выставки Дмитрий Провоторов представит свой проект "Крылья", ранее выставлявшиеся в Музее Набокова, и другие работы, также показанные ранее в рамках различных проектов. Дмитрий Провоторов – фотографический перфекционист. Мастерски используя сложнейшие техники ручной печати и тонирования, он стремится к визуальному воплощению несбыточной мечты всех художников, – достоверной "экранизации" принципиально неэкранизируемого, – снов и видений. Проект "Крылья", главными "героями" которого стали бабочки, – путешествие в иррациональный мир простых объектов, из которых изгнана их тривиальность. Бабочки, утратившие связь с миром естественной природы, становятся частью арт-пространства. Изгнав из этой серии цвет, Провоторов с помощью скупых средств строгой графики рассказал историю, не столько о бабочках, сколько о полете как таковом. Евгений Медведев-Ма, которому в данной экспозиции принадлежит большинство работ, – один из наиболее заметных представителей новейшей формации петербургского фотоарта. Свой творческий метод он называет Pop – up! (его коллега и соратник по культурному движению "Русский арьергард", Кирилл Шаманов, переводит этот термин просто как "Оп-па!"). Термин Pop – up! впрямую отсылает к поп-арту, придуманному легендарным Энди Уорхолом, прибавляя, впрочем, к одному из самых влиятельных художественных стилей ХХ века еще больший элемент спонтанности и неотрефлексированности творческого жеста. Правила этой игры крайне просты, – художник делает вид, что и сам не догадывается, о чем его работы; в свою очередь, зритель делает вид, что не вкладывает сложных смыслов в их восприятие. Художественные средства, которыми пользуется Медведев, более чем традиционны для петербургского ландшафта, это по преимуществу "прямая" черно-белая фотография и ручная печать, иногда с последующим тонированием отпечатка. Но результаты его работы никак не отнесешь к стилю, который принято называть "петербургской фотографией", – рассматривая его фотокартины, мы не увидим привычных глазу туманных пейзажей, адмиралтейского шпиля и Петропавловской крепости. Его интересует совсем другое, – спонтанные метаморфозы человеческого тела, психоаналитические стратегии интерпретации тела как текста. Собственно, Pop up! Жени Ма и есть попытка психоанализа фотографическими средствами, где в роли анализируемого выступает сам фотограф, а в роли аналитика – камера и реальность с той стороны объектива. Художник спонтанным творческим актом лишь высвобождает собственное подсознательное, – изображение создается задолго до нажатия на кнопку, но автор не старается заранее сформулировать его идею, а просто делает то, что приходит в голову. Фотосъемка трансформируется в хэппенинг с непредсказуемыми последствиями. Если автор сам верит результату получившейся работы, то она признается удавшейся. В этом смысле личный опыт становится не менее важным инструментом, чем фотоматериалы, – для того, чтобы "получилось", нужно просто быть готовым моментально разглядеть "свою" идею в окружающем нас визуальном и информационном хаосе. Для него мало что значат законы как фотографии, так и географии – он снимает так, как будто ничего не знает о художественной изоляции, в которой долгое время находилось российское и, в частности, петербургское искусство, явившее собственный академичный и строгий стиль как ответ на визуальное буйство, процветающее в популярной культуре Запада. Сам он скорее склонен позиционировать себя как "буйного" и чурается академизма, – лучшей художественной школой, сформировавшей его отношение к собственным целям и задачам в визуальных искусствах стали пять лет, проведенные Женей Ма в опасных районах Нью-Йорка, Чикаго и Детройта ("Русские там были в основном программистами, у нас было мало общего, поэтому я дружил с черными"). Его американские занятия были разнообразны, – от декора и дизайна помещений до подделки банковских чеков (за что его, собственно, и выслали из страны). Если рассматривать жизнь как художественный жест, то, очевидно, подделка чека – и есть квинтэссенция философии поп-арта: художник создает бесспорно ликвидный продукт, который в свою очередь создает ему легенду (в истории отношений двух стран Евгений Медведев-Ма стал первым русским, принудительно депортированным на родину). Его триумфальное возвращение в Россию в наручниках и в сопровождении двух молчаливых громил-полицейских снимали все центральные телеканалы, – видимо, это и были те самые персональные "15 минут славы для каждого", о которых любил говорить Энди Уорхол. Фигуры, личная история которых не менее привлекательна и интересна, чем собственно визуальный продукт, становятся все более актуальными в пространстве современного искусства, – с точки зрения contemporary art Женя Ма более чем перспективен. По возвращении в Петербург Евгений сосредоточился на куда более безобидных занятиях, – он начал серьезно изучать фотографическое ремесло. Фотографией он заинтересовался еще в Америке, – в Нью-Йорке он снимал жизнь черных гетто. На невских берегах Женя Ма начал строить собственное пространство, населяя его персонажами собственных фантазий и массового бессознательного. Фотостудия "Клип", Балтийская фотошкола, а затем институт "Про-Арте" помогли ему найти необходимую для развития творческую среду и дали технические навыки работы с фотоматериалами, – которыми он, впрочем, с удовольствием и с успехом пренебрегает. Он затрудняется назвать конкретные имена свих учителей, хотя "духовными отцами" в искусстве считает Андрея Чежина и Аркадия Ипполитова. В разговоре о фотографии его мало интересует, "как это сделано", вряд ли он в состоянии долго поддерживать беседу о фототехнике и материалах. Технический прием, возведенный в ранг художественной концепции – это не о Евгении Ма: "Все, что я делаю, я стараюсь делать только на драйве, меня интересует только моментальная эмоциональная отдача. Я не совершенствую технику, меня это вообще мало занимает, – я считаю, что если что-то сильно "зацепит" меня лично, то найдется немало людей, которых это тоже заинтересует". Фотография как технология занимает Евгения Ма приблизительно в той же степени, в которой Уорхола интересовала шелкография или живопись, это лишь один из способов фиксирования визуальной информации, – сегодня он фотограф, а завтра, возможно, займется чем-то еще, например, видеоартом. Глиссандо, скольжение превращается в главный технический прием в написании жизненного текста, – делать то, что хочется сегодня, плавно перемещаясь во времени. Даже внешне Женя Ма – фигура, достаточно экзотическая для петербургского фотографического пространства: при личном знакомстве прежде всего глаз выхватывает резко выделяющиеся на привычном фоне кричаще-яркие цвета его повседневной одежды. И в фотографической среде ему удается оставаться ярким чужаком, принципиально не желающим прибиваться к какому бы-то ни было "лагерю", – традиционалисты упрекают его работы в бессодержательности и отходе от принципов петербургской фотошколы, а радикальные концептуалисты – в излишней мягкости, "душевности" визуального мессаджа. Работы из серий "Тело-рыба" и "Комфорт (Трофмок) " объединяет традиционная ручная техника черно-белой и цветной печати, в которой они выполнены. Ретроспективная выставка в "Альбоме" станет для Евгения Ма своеобразным прощанием с тем периодом творчества, который он определяет как "бессознательный", – в постоянном изменении собственного стиля он пытается найти средства, наиболее адекватные своим сегодняшним художественным задачам. Уже в ближайшем будущем Медведев планирует представить публике результаты расширения как своего технологического арсенала, так и концептуальной базы. Уворачиваясь от определений и обходя формы, кажущиеся ему застывшими и безжизненными, фотограф Евгений Ма стремится к реализации собственных идей при помощи собственной же системы образов, спонтанно выхваченных им из продуктов массовой культуры, или из собственного, – весьма разнообразного и неоднозначного, – жизненного опыта. Сочетание несочетаемого и визуальные парадоксы в работах Евгения Медведева становятся еще и иллюстрацией его индивидуального способа существования в разных средах.

4 мая 2006 Андрей Медведев. "Девушки и дирижабли". живопись, гуммиарабическая печать. 18 - 15 апреля "За мной, товарищи авиаторы, плывите в бездну, я установил семафоры супрематизма" К. Малевич – Супрематизм – 1919 год ХХ век набирает обороты. Петроград, Ленинград, война, революция. Новые имена, названия, символы. Французское слово "авиатор" поэт Велимир Хлебников меняет на русское "летчик". Авиатор Василий Каменский становится летчиком-футуристом. Дирижабль "Норвегия" совершает первый в истории транс-арктический перелет. Новый небесный путь начинается в Италии, родине Маринетти, и тянется вдоль тридцатого градуса западной долготы над старой дорогой "из варяг в греки". Последняя остановка на пути в легендарную Гиперборею находится в пригороде Ленинграда. Роалд и Умберто смотрят в иллюминатор. Внизу проплывают купола Росси, Кваренги, Растрелли, золоченые шпили, ангелы хранители Трезини. Человеческие фигурки движутся по проспекту 25го октября, площади Успенского в сторону царственного Эрмитажа, где недавно поселились картины Матисса. Северные одалиски из окон Ленинградских мансард удивленно разглядывают овальный силуэт космического кита. Сфинксы хранят молчание, по Неве плывет лед. На календаре апрель 1926 года... Следующий полет к полюсу закончится трагически. Дирижабль "Италия" упадет во льдах Арктики. Чудом уцелевший экипаж будет взывать о помощи, и советский радиолюбитель услышит слабый сигнал "S.O.S.". Первым на помощь другу поспешит Амундсен, но его гидроплан навсегда исчезнет в зоне вечной мерзлоты. Нобиле и его команда будут спасены русским ледоколом "Красин". Новые футуристы через полвека поведут свои корабли все дальше и дальше от планеты "Земля".

3 мая 2006 "Религиозные впечатления" Д.Злобина в ВЦ СПб союза художников 28 апреля 2006 года в 16.00 Выставочный центр Санкт-Петербургского союза художников приглашает на открытие выставки «Религиозные впечатления». Дмитрий Злобин. Выставка будет проходить с 28 апреля по 14 мая 2006 г. Отстранённость, вот, пожалуй, что навивают эти полотна даже при беглом взгляде на них. Отстранённость от бренности конкретного времени и места. Поиск же пространства абсолюта сочетающийся с интимными переживаниями религиозного чувства побуждают задуматься о том, какую роль играют в духовной жизни отдельного человека вопросы чистой веры и религии как таковой. Переданы же означенные философские составляющие с помощью техники исполнения, которая, по большей степени, основываясь - условно - на абстрактном экспрессионизме, тяготеет к иконописным (символическим) выражениям основополагающих идей всей серии. Попытка личностного соприкосновения с вечным и общезначимым требует к себе чуткого и, одновременно, объективного подхода. Иначе таковое стремление может обратиться всего лишь поверхностно «светской» саморефлексией. Однако здесь, воплощённая в цветовых и композиционных решениях, мысль появляется из ценных мимолётных ощущений, пускай противоречивых, пускай не всегда сразу раскрывающих свою истинную суть, зато стремящихся двигаться от частного (дольнего) к общему (вселенскому). Не в коем случае отступления от «канона» не являются самоцелью, просто это попытка посмотреть свежим незамутнённым традицией взглядом на давно вроде бы уяснённые вещи, а принимать или нет, понимать или нет дело каждого в отдельности. Это просто «своё» отношение к религии не омрачённое навязчивостью.

3 мая 2006 От Сталинграда до Берлина. К 100-летию художника И.А.Лукомского К Дню Великой Победы Военно-исторический музей артиллерии, инженерных войск и войск связи 5 мая 2006 г. в 14.00 открывает выставку «От Сталинграда до Берлина. К 100-летию художника И.А. Лукомского». Илья Абелевич Лукомский (1906-1954) родился в г. Полоцке Витебской губернии в семье служащего. У Ильи рано проявились художественные наклонности и уже в 16 лет он поступил в Московские высшие художественные мастерские (Вхутемас), где учился у таких педагогов как П.Кузнецов, Л.Бруни, В.Фаворский, Н.Чернышев. С 1929 года принимал участие в художественных выставках, а в 1930 году окончил отделение монументальной живописи и был призван в ряды Красной Армии. После годичной службы, с осени 1931 г., возвратился к творческой работе. Его первая станковая картина “На штурм угля” написана в 1932 г. В том же году он стал членом Союза советских художников. Для юбилейной выставки “XV лет РККА” художник создал большое полотно “Реввоенсовет Особой Краснознаменной Дальневосточной Красной Армии”. Романтика преодоления трудностей – лейтмотив обеих картин. Особую роль в жизни и творчестве Лукомского сыграла Великая Отечественная война. Зимой 1942 г. он получил назначение на фронт и в составе группы Студии военных художников имени М.Б.Грекова отправился в Сталинград. Здесь разворачивались такие батальные сцены, каковых история ранее не знала. Жестокие бои шли за каждый жилой дом, за каждый корпус заводов, превращенные в крепости. После Сталинграда – Ленинградский фронт и далее по тяжелым дорогам войны. Илья Абелевич, как и его соратники-студийцы, прошел с Красной Армией грандиозный путь наступления на врага от Волги до Шпрее, от Сталинграда до Берлина, являя собой образ отважного и мужественного патриота, которому одинаково привычны и боевое оружие, и походная палитра художника. Не случайно он был награжден медалью “За боевые заслуги”. Глубокое проникновение в психологию современников, благожелательное к ним отношение дали ему возможность в годы войны и послевоенный период создать сотни портретов, раскрывающих характеры людей, вставших на защиту родной страны – рядовых бойцов и генералов, летчиков, медсестер танкистов и пехотинцев. Портреты фронтовиков, увиденное и пережитое самим художником, легли в основу большого композиционного полотна “Клятва сталинградцев”, созданного Лукомским позже в 1950 году. Главная тема этой картины - великая любовь к своей Родине, решимость до последнего дыхания биться за ее свободу. В настоящее время это произведение находится в нашем музее. Илья Лукомский был человеком своего времени - целеустремленным в творчестве, преданным эпохе. Он был как бы воплощением вечной романтической молодости, мечты о новой жизни, полной товарищества, равенства и мирного созидания. В этом году исполняется 100 лет со дня его рождения. Светлой памяти Мастера посвящается эта выставка. Предлагаемые вашему вниманию произведения любезно предоставлены сыном художника Василием Ильичем Лукомским. Адрес: город Санкт-Петербург, Александровский парк, 7 Проезд: Ст. м. "Горьковская"

3 мая 2006 "Время перемен" в Русском музее Выставка "Время перемен" - самая масштабная, за историю Русского музея, демонстрация произведений художников, проживавших (именно проживавших так, как лишь часть мастеров представленных на экспозиции можно назвать "советскими") на территории Союза советских социалистических республик в период с 1960 по 1985 год. От оттепели до перестройки, в годы перемен, сделавших возможным сегодняшнее устройство нашей жизни. "Время перемен" - выставка почти современного искусства. Эпоха, которой оно принадлежит, уже стала историей, но история эта еще жива, не скрыта под пылью и прахом времен. Экспозиция устроена так: пойдешь налево - нонконформистское искусство найдешь (именуемое также в дальнейшем и в литературе об искусстве неофициальным, неформальным и искусством андеграунда), пойдешь направо - советское официальное искусство увидишь. В залах официального искусства навстречу зрителю сразу устремляются многочисленные образы вождя мирового пролетариата, эхо иного, сталинского времени. Но уже в следующем зале вас ждет встреча с героями оттепели. Так называемым поколением шестидесятником. Суровые черты в "суровом стиле". Именно так назвали особую манеру молодых художников того времени. Лаконизм их речи близок, опасно близок беспредметному искусству андеграунда, но на этой выставке искусство из официальных выставочных залов и произведения из квартир немногочисленных коллекционеров неформального искусства не пересекутся. Здесь они существуют в строго параллельных мирах. Хотя, чем дальше вы проходите по залам официального искусства, тем меньше ощущаете разницу между ними. Пройдя по залам официального искусства, по залам корпуса Бенуа Русского музея, вы, благодаря устроителям экспозиции, можете побывать и на "квартирной" выставке (явление для описываемого времени весьма характерное). Типовая квартира типового дома хрущевской постройки. Тоже своего рода экспонат и памятник эпохе. Обстановка небольших комнат легко узнаваема, многие и сейчас живут в похожей. Только черно-белый телевизор, да его репертуар позволяют угадать время действия. На стенах тесного помещения картины художников, официально не существовавших. Поэтому и большинство этих работ на выставку предоставили те самые частные коллекционеры. Рассказать обо всех произведениях и художниках выставленных здесь в рамках статьи невозможно, даже перечисленные через запятую они превысят ее объем. Ведь живописных работ всего 250 единиц (правда, авторов немного меньше 200), а еще 80 скульптур (50 авторов) и некоторое количество графических произведений. Ленин ветер революции, советский "романтизм" от Михаила Девятова. Великолепная техника так многозначительно молчащих полотен Гелия Коржева, по которым нетрудно угадать сегодняшнюю религиозную доминанту творчества мастера. Первобытная сила земли и ее детей, крестьян, и неправдоподобно ясная небесная лазурь во взгляде Есенина-ребенка Евсея Моисеенко. Нежный шепот цветения вербы и бесконечная полумгла, окутавшая русскую деревню в "Бегстве в Египет" Оскара Рабина. По-разному можно оценивать как произведения представленные на этой выставке, так и сам способ их демонстрации. Две противоборствующие силы внутри мира искусства страны Советов, такую трактовку увиденного подсказывает сама композиция выставки. Срез культуры, рассказ о том, чем жили и дышали. Можно также, просто и относительно объективно (хотя объективного отношения к искусству не бывает иначе это уже полное к нему равнодушие), оценивать качество представленных произведений. С этой точки зрения, безусловно, выигрывают художники официальной школы. Полный спектр чувств и переживаний. Возвышенное и повседневное, смешное и грустное, сатира и патетика, добро и зло. С завидным постоянством меняющиеся местами. И в конце выставки мини-экспозиция подводящая своеобразный итог жизни и искусства 25 лет советской действительности "1984" год. Посвящение Джорджу Оруэллу. Год между прошлым и настоящим. Писать о выставке "Время перемен" можно долго и много, но чем читать даже самые красочные описания событий лучше (во всяком случаи иногда и это тот самый случай) стать их участником или хотя бы свидетелем. Выставка "Время перемен" ждет вас.

2 мая 2006 В. В. Набатов (1939-1995) Выставка в МВЦ «Петербургский художник» Выставка живописи В.В.Набатова (1939-1995) рамещена в музейно-выставочном центре «Петербургский художник» по адресу: наб. Мойки, 100/ ул. Глинки, 1(вход со стороны Мойки, у Поцелуева моста) rtВячеслав Набатов родился в 1939 году в городе Карасук Новосибирской области в многодетной семье. Любовь к рисованию он проявлял с детства. Первое художественное образование получил в Саратовском художественном училище, после окончания которого в 1967 г. поступил в Институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И.Е.Репина. Учился у В.М. Орешникова и Б.С. Угарова. С 1973 по 1976 г. – в творческой мастерской Академии Художеств СССР. С 1975 г. – член Союза художников и постоянный участник городских, республиканских и всесоюзных выставок. Сейчас его работы находятся во многих музеях и в частных собраниях России и за рубежом – в Германии, Финляндии, Америке, Японии, Австралии. Вячеславу Набатову были доступны и жанр портрета, и пейзаж, и тематическая картина. Однако свою жизнь он посвятил пейзажной живописи.

28 апреля 2006 Александр Филиппов «Петербургские вариации» 4 - 24 мая 2006 года На выставке будут представлены работы 2005-2006 гг. из серий «Коломна», «Тени весны», «Верхний город», «Храмы Петербурга», «Силуэты солнца», выполненные в графико-цифровой технике. Все работы экспонируется впервые. Александр Филиппов родился в 1960 году в Ленинграде. С 1987 года активно принимает участие в художественных выставках. С 2005 года – член Союза художников России. Работы находятся в российских и зарубежных государственных и частных собраниях. Персональный сайт: www.fotorezonans.narod.ru Причины, заставляющие фотографа вдруг изменять привычную технику съемки, могут быть совершенно различны: от сугубо коммерческих до экспериментаторских. Создавая фотографии, представленные на выставке и объединенные под общим названием "Петербургские вариации", Александр Филиппов руководствовался идейным соображением, оказавшимся чрезвычайно актуальными на сегодняшний день. Суть его сводится к тому, что изображения, полученные посредством цифровой камеры, отнюдь не уступают произведениям, созданным "классическим" путем аналоговой съемки. Иными словами, речь идет о том, что создание любого произведения – это вопрос не техники, а таланта автора. В момент изобретения нового самобытного мира инструмент является лишь вынужденным средством. Все работы на выставке - а их около 20 размером 30х40 - датированы 2005 годом и представляют Петербург как отображение четко очерченных поверхностей, форм и линий. К тому же город на фотографиях Филиппова лишен всякого человеческого присутствия. В итоге, в большинстве работ отсутствует та самая предсказуемость, которую следует ожидать от произведений на данную тему. На фотографиях оказывается не столько сам город - в своем грандиозном размахе, удачных ракурсах, выразительных архитектурных деталях и необъятных панорамах, большинство из которых сделано прямо с крыш, - сколько его интерпретация. Избегая пресловутой буквальности, изображения вовсе не теряют осязаемое, реалистичное ощущение пространства и масштаба. Композиция фотографий одновременно насыщенна и проста, а некоторые темные пятна имеют много общего с живописным "мазком". Случайны или преднамеренны все эти приемы, не так уж и важно, ведь их главная стратегическая задача – способствовать расширению нашего представления о возможностях цифровой фотографии. Открытие состоится 4 мая 2006 года в 18 часов по адресу: Казанская ул., д. 5 (второй двор) тел. 312-95-58

27 апреля 2006 Останки, найденные в Андрониковом монастыре, возможно, принадлежат иконописцу Андрею Рублеву В Московскую Патриархию переданы документы о том, что обнаруженные в Москве останки двух человек, возможно, принадлежат знаменитому иконописцу Андрею Рублеву и его учителю Даниилу Черному. Об этом накануне сообщил агентству ИТАР-ТАСС настоятель храма Спаса Нерукотворного, расположенного на территории Андроникова монастыря протоиерей Вячеслав Савиных. По его словам, передан Акт "комплексного исследования по факту обнаружения костных останков в погребении номер 5 в алтарной части храма Спаса Нерукотворного образа в Андрониковом монастыре в Москве". В течение последних 15 лет там "были обнаружены в разное время останки пятерых человек". Вероятно, Рублеву принадлежат останки, найденные в 1992 году. Антрополог Сергей Никитин, который руководил исследованиями, сообщил ИТАР-ТАСС, что "в экспертизе участвовали 18 человек, в числе которых - историки, биологи, антропологи, антропохимики, криминалисты, специалисты в области судебной медицины, рентгенологи и искусствоведы". Согласно выводам антропохимика Елены Александровской, "химический состав костной ткани двух людей из погребения номер 5 сходен, что позволяет сделать предположение о том, что эти люди вели одинаковый образ жизни, имели сходное питание, вероятно, имели одно и то же занятие - работа с металлом, живопись". "Исследование черепов показало, что разница в возрасте погребенных - 20 лет, - отметил ученый. - Предполагается, что одному было 50, а другому - 70 лет". По словам Никитина, "специалисты Российской государственной библиотеки выяснили, что Рублев родился в 70-е годы XIV столетия". Обнаруженные останки были перезахоронены в соборе в 1427 году. "Полное вскрытие было произведено 6 мая 2003 года", - пояснил Никитин. Настоятель храма, между тем, не торопится с полной уверенностью утверждать, что найденные останки принадлежат именно Рублеву. "Последнее слово скажут специалисты Патриархии. Будем надеяться, что уже в этом году мы сможем совершить поклонение святым мощам Андрея Рублева", - заметил Вячеслав Савиных. Иконописец Андрей Рублев был причислен к лику святых в год 1000-летия Крещения Руси - в 1988 году.

26 апреля 2006 Фотовыставка "Человек читающий" 24 апреля 2006 года, в 18.00 в Санкт-Петербурге, в библиотеке им. М.Ю.Лермонтова (Литейный проспект, 19) в рамках культурной акции "Время читать!" открывается фотовыставка "Человек читающий" преподавателей и студентов кафедры кино- и фотоискусства Санкт-Петербургского государственного университета культуры и искусств. На выставке представлены фотоочерки о городских очагах культуры: - Древлехранилище Пушкинского дома (института русской литературы РАН), - кабинете Пушкина в музее-квартире поэта (Мойка, 12), - библиотеке для слабовидящих, а также отдельные работы Владимира Чутко, Павла Сидорова, Юрия Опри, Виталия Логинова. Выставка будет работать до конца мая 2006. На самой кафедре кино- и фотоискусства Санкт-Петербургского государственного университета культуры и искусств в это же время также можно посетить выставку четырех дипломников заочного отделения - Натальи Булдаковой, Алексея Анкушева, Татьяны Крайновой и Анны Юргенс).

26 апреля 2006 «ЛИЦА» («Я слышу их голоса») Среди всех современных портретистов, Алексей Штерн, несомненно, самый выдающийся. В портретном жанре он достиг редкого совершенства. Характер его портретной живописи индивидуален. Он смог соединить древние традиции (фаюмский портрет) с необыкновенной новаторской изобретательностью. Немаловажное значение для работ Алексея Штерна имеет связь с искусством кино. Здесь, наверное, даёт себя знать второе художественное образование живописца. Закончив в 1967 году Харьковский художественный институт, в 1971 году он поступил в школу-студию МХАТ на режиссерский факультет. Так у художница формируется театрально-кинематографический склад ума. В его картинах очевидны игра, ирония, правдивость, глубина. В работе над образом для Алексея Штерна всегда является важным запечатлеть момент, выхваченный из жизни, как бы стоп-кадр. Персонаж предстаёт не в позёрской застылости, а всегда в переходящем движении – кто-то беседует за чашечкой чая, кто-то вдумчиво внимает собеседнику, кто-то прибывает в творческой отрешенности (портрет Л. Лазарева). Крупные планы – ещё одна «режиссерская» находка. Зритель всегда как бы остаётся с персонажем один на один, находит в нем собеседника, интересного рассказчика, слушателя. Грань между картиной и внешним миром почти не ощутима. Порой персонажи Алексея Штерна общаются и между собой – диптих «Академик» (портрет Н. Н. Казанского) и «Экономист» (портрет А. А. Н.). В подобных работах значительную роль играет действие. Важно всё – выражение лица, жест. К тому же зачастую художник придумывает своим героям целые диалоги. Так за каждым портретом скрывается своя история, грустная, даже трагическая, романтическая, смешная, но всегда настолько животрепещущая, что кажется непременно реальной. Художнику не нужно долго искать модель. Образы рождаются сами собой, они вокруг, везде. Торговцы на рынке, просто прохожие, нищие, богатеи, «басурмане» (иностранцы) – в каждом он находит что-то интересное, видит личность, характер. Артистическая натура Штерна-режиссера заставляет играть и Штерна-живописца. Он умеет подсмеяться над своими героями. Так несчастный художник Валерий Лука «себе пальчик оттяпал топориком». Художник явно иронизирует над величием петербургских художников, изобразив их всех вместе в «Автобусе дураков». Адрес здесь очевиден – «Корабль дураков» Иеронима Босха и «Трамвай желаний» Элиа Казан. Но ирония не всегда бывает заранее срежессированной. В деревянном портрете Николая Благодатова физические свойства древесины подкрепили заданный шутливый тон портрета. Художник наделил критика и коллекционера восторженно любопытствующим и в то же время немного наивным взглядом, тогда как голова его во всех смыслах трещит по швам. Деревянная скульптура «Хирургия» или «Пленённый чеченец», темпера «Сосед по спальне» исполнены чёрного юмора. Однако юмор и ирония и даже сарказм Алексея Штерна безобидны. Он по-своему добр к своим героям. Здесь, в месте слияния иронии и добра, рождается тема юродства и сострадания. В данном случае имя художника, Алексей, (Божий человечек) откладывает отпечаток и на творчество художника. Алексей Штерн следует путём через иронию к состраданию, человеколюбию и всякое-живое-любию. Так появилась на свет данная графическая серия. «Лица» - это призыв к миру и взаимопониманию, открывающий нам глаза на самих себя и окружающий мир. Здесь заявлена тема сосуществования рядом человека и животного. Алексея Штерна всегда интересовало человеческое лицо как зеркало человеческой души, на сей раз его взволновало «лицо» зверя. На выставке представлены образы людей и зверей, живущих одной жизнью, переживающие одни и те же чувства. Действительно, велика ли разница – человек ли о двух ногах или лохматый пёс о четырёх! Для искусства это никакого значения не имеет, ведь оно призвано будить в душе лучшие чувства. И всё же художник остаётся честным, изображая мир таким, какой он есть, мир животных и людских страстей. Автор высказывает идею звериного в человеке и человеческого в звере, ведь зверь и человек, связанны друг с другом узами родства и противостояния одновременно. Однако и здесь Алексей Штерн не предаёт своих идеалов, и здесь он крайне остроумен. Так, поранившийся Валерий Лука превращается в «Луку укушенного», благородным профилем красуется мальчик Серёжа, почти до неприличия усердствует играя на трубе хулиган, вожделенно облизывается сладострастный бык Стёпа и, наконец, всем нам остаётся скорбно пожалеть о скоропостижно скончавшемся от птичьего гриппа в марте 2006 года петухе по имени Cock. В этих работах отражены реалии сегодняшнего дня. Итак, Алексея Штерна можно смело назвать летописцем нашего времени, сколь ироничным столь же и правдивым.

26 апреля 2006 Галерея «ДиДи» представляет живопись Максима Лапшина и коллекцию модной одежды творческой мастерской Сони Азархи Открытие выставки и дефиле состоится 12 мая 2006 года в 18 00 в гостинице Redisson Sas. Спонсоры проекта Redisson Sas Royal Hotel, Citybanck Будет представлено 10 эксклюзивных живописных полотен художника, как всегда, посвящённые образу женщины. На дефиле выступят 5 коллекций молодых дизайнеров со своими весеннее-летними коллекциями. С 15 до 31 мая работы художников можно будет увидеть в выставочном зале галереи «ДиДи»

26 апреля 2006 Великая Отечественная Война. Художники-очевидцы Первая галерея советской живописи в Санкт-Петербурге «Львиный мостик» представляет выставку живописи и графики на тему Великой Отечественной Войны. В мае, когда вся страна празднует годовщину дня Победы, мы приглашает посетить наш выставочный зал и познакомиться с работами выдающихся советских художников, отразивших в своем творчестве героические события 1941-1945 годов. В экспозиции можно увидеть уникальную серию рисунков военного времени – творчество фронтовых будней. Портреты командиров и простых солдат, сцены в блиндажах, в походах и госпиталях. Рисунки узника концлагерей Анатолия Первеева и выпускника Академии Ивана Андреева хранят дух суровых военных лет, пожелтевшая, местами обгоревшая бумага передает это неподдельное впечатление. Также представлена серия великолепных портретов участников группы «Молодая гвардия» – уже забытых нашей историей юных героев, отдавших жизнь за свободу страны, эскизы плакатов Юрия Непринцева, написанные для Балтийского флота, офорты Александра Харшака и многое другое. Выставка призвана заинтересовать широкий круг зрителей: ветеранов, любителей советского искусства, коллекционеров.

21 апреля 2006 Центр современного искусства (СПб) Роберто Пачи Дало на фестивале SKIF. 21 апреля 2006 Композитор и исполнитель, театральный режиссер и медиахудожник, Роберто Пачи Дало выступит 21 апреля на фестивале SKIF-10 (в Центре современного искусства на Среднем пр. В.О., 93". Музыкант представит свою последнюю работу "PNEUMA". Это соло для электроники, сэмплера и кларнета. Нечто среднее между нойзом, электро-минимализмом и импровизацией. пространство звука. Пространство, где различные акустические миры объединяются, создавая необычные условия восприятия. Роберто Пачи Дало второй раз в России – в 2003 году он участвовал в фестивале "Scopetone", проходившем в клубе "Порт". Роберто изучал музыку и визуальные искусства (направление "архитектоника") во Фьезоле (Флоренция) и Равенне; с 1997 по 2001 преподавал медиадраматургию в университете Сиены. Пачи Дало является художественным руководителем группы "Джардини Пенсили" ("Giardini Pensili" ит. "висячие сады"), основанной в 1985 году. Он написал и поставил 20 пьес для драматического и музыкального театра в Европе, Америке и на Ближнем Востоке. Его проекты основываются на взаимодействии артистов, техников и теоретиков. В работе Роберто и его группы прослеживается глубокий интерес к истории и памяти. Пачи Дало исследует язык, системы коммуникации и новые технологии в применении к художественным процессам. Пачи Дало – один из пионеров соединения аналоговых и цифровых звуковых технологий. Его произведения востребованы у независимых телерадиокомпаний, музеев и фестивалей в Италии, Австрии, Германии и США. Он работал с такими известными музыкантами как Kronos Quartet, Tom Cora, Fred Frith, Philip Jeck, Han Bennink, Scanner, David Moss, DJ Palotai, Sainkho Namtchylak, Olga Neuwirth, Burkhard Stangl, Alvin Curran. Роберто определяют жанры, в которых он работает, как медиадраматургию и театр слуха. Среди его основных работ: "Time Line" (Санкт-Петербург, 2003), "Метаморфозы" (Рим, 2001), "Lost Memories" (Грац, 1994), "Blue Stories" (Вена, Локарно, 2001). Недавно вышла его последняя книга "Millesuoni. Deleuze, Guattari and the Electronic Music, написанная совместно с Emanuele Quinz.

21 апреля 2006 Владимир Духовлинов. «Детали эфира». 12 мая — 11 июня 2006 Владимир Духовлинов - неизменный экспонент ленинградских и зарубежных выставок… Чрезвычайно активно, напряженно работая, он стремится не расставаться с собственными полотнами, ибо, последовательно разрешая новые пластические задачи, возвращается к уже, казалось, реализованным,- словом, мыслит большими, развернутыми во временном пространстве сериями. «По сюжету и прием», — говаривал П.П. Чистяков: по сюжету жизни художника и его живопись — лирически самоуглубленная, чуждая внешних эффектов, обладающая внутренним потенциалом саморазвития. В. Духовлинов родился в 1950 году в Даугавпилсе, учился в художественной школе в Феодосии, окончил Серовское училище как реставратор (в Ленинграде — прим.ред.) и в 1976-м - Ленинградское высшее художественно-промышленное училище им.В.И.Мухиной как дизайнер… Первые работы Духовлинова, появившиеся на выставках в 1980 году, носили фигуративный характер и являли собой достаточно странный сплав спокойной, безмятежно ясной трактовки пластической формы, идущей от изучения раннего Возрождения и драматической экспрессии сюрреалистического толка, выдающей хорошо усвоенные уроки С. Дали. Самостоятельные подходы Духовлинов нащупывал довольно долго, зато и результат был весом: ему удалось найти «сумму приемов», скорее, живописную методологию, наредкость органично отвечающую душевным движениям художника, его эмоциональному состоянию. В 1920-е годы в советском искусстве бытовал термин, введенный, кажется, Н.Н. Пуниным, — «шум поверхности». Он, мне думается, очень точно характеризует поэтику Духовлинова: одухотворенная поверхность его полотен глубоко содержательна, именно она концентрирует эмоциональный потенциал образа. Если у К.С.Петрова-Водкина, по его собственному выражению, «главным рассказчиком картины» являлось пространство, то здесь функции повествования, характеристику драматургии приобретает поверхность. Разумеется, эта повышенная «образная нагрузка» требует от поверхности совершенно особых качеств. Дело не в технических приемах, хотя, если ему это необходимо, художник применяет самые разнообразные средства — экспериментирует с грунтами, употребляет рельефные прокладки и т.д. Важнее иное — торжествующее единство цвета и фактуры, позволяющее цвету обрести почти тактильную, осязательную материальность, а фактуре стать своего рода «опредмеченным», материализоаванным цветом. В результате возникает совершенно особая цвето- пластическая среда — даже не «шум поверхности», а, скорее музыка поверхности… Если эта среда, как я стремился показать, «главный рассказчик картины», то рассказы эти могут носить самый разнообразный характер. Поверхность в буквальном смысле чревата предметностью, хотя нарративная функция далеко не всегда реализуется посредством изобразительных, предметных реалий. В работе «Белый стих», например, «солируют» собственно цветофактурная среда и очень деликатно, индивидуально трактованные визуальные знаки, несущие, разумеется, символическую нагрузку, однако не претендующие ни на информативность, ни на обобщение, как бы не до конца «проявленные», остановившиеся на полпути к семантике… Как, однако, много можно сказать, используя эти скупые средства: создать рукотворную поверхность, материализующую белую, «теплую» (как парное молоко, как простыня-ширма домашнего детского театра) тональность, оживить ее «тенями знаков», вовсе не требующих буквальной расшифровки и присутствующих как напоминание об осмысленности любых самых камерных прявлений бытия. Если здесь — камерность, чуть ленивая «домашность» образа, перекликающегося по эмоциональному состоянию (да и по построению — с артифицированным колоризмом и фактурностью, с необременительной, в духе «пиктограмм» П.Клее, знаковостью) с почти буколической «Рязанью», то параллельно существуют и другие по состоянию вещи. В «600 секундах» в полной мере реализуется качество, уже отмеченное мною: способность сразу генерировать предметность. Образ здесь далек от идиллии, и напряженная, пульсирующая среда материализует изображение: в босховском или сюрреалистическом ключе трактованные предметные реалии, какие-то биокуклы, потерявшие «человеческий облик» и тем не менее очень емко и концентрированно материализующие городские страсти и слухи. В «Райке» (по мотивам В. Набокова) задача еще сложнее: пульсирующая цветовая среда. Отторгающая и снова принимающая в себя изобразительные реалии, провоцирует постоянно возникающие и гаснущие литературные аллюзии. Процесс формо- и смыслообразования синтезирован, существование образа во времени обретает практически неисчерпаемую протяженность. «Шум поверхности», ум поверхности… Кажется, живопись Духовлинова обладает даром саморазвития — настолько органичным и неисчерпаемым предстает генерируемый ею поток новых звучаний и значении…

21 апреля 2006 Петропавловская крепость – Выставочный проект Петра Швецова "Цусима". К 101 годовщине Цусимского сражения. 12 – 17 мая 12 мая 2006 года в Петропавловской крепости в выставочном комплексе "Потерна и каземат Государева бастиона" открывается выставка художника Петра Швецова, кураторов Глеба Ершова и Дмитрия Шляхтина "Цусима", посвященная памяти одного из трагических событий в военной истории России. "Цусима" – выставка-путешествие, в котором зрителю предстоит погрузиться в пространство Цусимы. Длинный коридор потерны с низким сводчатым потолком и тусклым "подземным" светом – начало пути. В узких бойничных нишах, проделанных в толще кирпичной кладки (темной и влажной от сырости) кое-где светятся в стеклах лайтбоксов картинки цусимского боя – смутные изображения, отдаленные от нас толщей прошедшего времени. Нитевидная змейка на экране осциллографа – след невидимых процессов памяти и, одновременно, живой путь события, все еще не потерявшегося во времени. Возможная клаустрофобия или же ощущение холодка истории, "заползающего" за ворот, возникают и от специально организованного "звучащего" пространства. Сомнений нет – вы находитесь глубоко под водой: путь из коридора выводит в огромный наглухо задраенный сводчатый зал; над вами – волнующаяся гладь моря; внизу, по центру – картина дна акватории цусимской бухты с затонувшими российскими кораблями. Камера невидимого батискафа фиксирует сквозь толщу мутной воды остовы, очертания судов, нашедших здесь свой покой. Оглядевшись, зритель замечает едва-едва мерцающие черные лампочки, высвечивающие по стенам крохотные рисунки с зарисовками карты боя и маршрутами эскадр. Слышны глухие удары, равномерный гул, тяжело ухает масса воды, иногда слышен резкий неприятный треск: как будто помеха в записи от взрыва или столкновения. В завершении выставки-путешествия – "всплытие". Ослепительный свет. Рюмка водки. Вальс "На сопках Манчжурии".